Qué significa equilibrio en el arte y porqué es importante

Artículo revisado y aprobado por nuestro equipo editorial, siguiendo los criterios de redacción y edición de YuBrain.
Aprende lo que quieras. Hay miles de cursos populares entre los que elegir.

El equilibrio es uno de los principios básicos en la concepción de una obra de arte, y se integra con conceptos como el contraste, el movimiento, el ritmo y el énfasis, así como con los patrones de diseño, con la unidad y la variedad. El equilibrio se refiere a cómo los elementos que constituyen una obra de arte, entre otros la línea, la forma, el color, los matices, el espacio o la textura, se relacionan entre sí en la composición de la pieza para generar el equilibrio visual que propone el artista.

El equilibrio

Una primera idea sobre el equilibrio en una obra de arte surge de la percepción de la gravedad en una pieza de tres dimensiones, una escultura por ejemplo. La obra estará en equilibrio si se percibe que no se cae la pieza ni ninguna de sus partes, tanto en obras estáticas como en las que tienen movimiento. Si la obra se desarrolla en dos dimensiones, el artista desarrolla la composición de forma que el efecto visual transmita equilibrio en relación con la gravedad. En cambio un escultor, además de buscar el equilibrio visual, también deberá considerar los parámetros físicos de la pieza.

Cubo rojo. Isamu Noguchi, Nueva York.
Cubo rojo. Isamu Noguchi, Nueva York.

La simetría es un factor fundamental en la percepción del equilibrio. Quizás debido a que el ser humano es simétrico, es una tendencia natural de las personas la búsqueda del equilibrio mediante la simetría. Y los artistas buscan muchas veces transmitir ese equilibrio en sus obras. Una obra equilibrada, en la que el peso visual se distribuye uniformemente a lo largo de la composición, parece estable, hace que el espectador se sienta cómodo y es agradable a la vista. Una obra desequilibrada parece inestable, crea tensión y inquieta al espectador. A veces, un artista crea deliberadamente una obra desequilibrada. Cubo rojo de Isamu Noguchi, localizada en Nueva York, es un ejemplo de una escultura intencionalmente desequilibrada. Cubo rojo descansa precariamente sobre uno de sus vértices, contrastando con los edificios grises, sólidos y estables de su entorno, y crea una sensación de tensión e inseguridad.

Formas del equilibrio

En la disposición de una obra de arte se pueden diferenciar tres planteamientos que contribuyen a la sensación de equilibrio; se trata de los equilibrios simétrico, el radial y el asimétrico. El equilibrio simétrico incluye al radial y se sustenta en la repetición de patrones. En el equilibrio asimétrico el artista contrapesa en la disposición de la obra elementos que tienen distinto peso visual o físico, basado en su intuición más que en modelos.

En el equilibrio simétrico, ambos lados de una pieza son similares. Si se dibujara una línea imaginaria que divida la obra horizontal o verticalmente, es decir, lo que serían sus ejes, los sectores de la obra que queden a cada lado del eje tendrían características similares o un peso visual similar. La simetría alrededor de un eje central se denomina simetría bilateral, tanto horizontal como vertical (de acuerdo a la orientación del eje). El equilibrio simétrico puede darse como una imagen especular, una reproducción en forma de reflejo en un espejo a ambos lados del eje de la obra, o puede ser que sean algunos elementos de la composición los que se reproduzcan en forma especular a partir del eje de la pieza.

La última cena. Mural. Leonardo Da Vinci.
La última cena. Mural. Leonardo Da Vinci.

Este tipo de equilibrio da sensación de orden, estabilidad, racionalidad, solemnidad, formalidad, etcétera. El equilibrio simétrico se utiliza a menudo en el diseño arquitectónico de edificios gubernamentales, bibliotecas, colegios y universidades, y es muy común en el arte religioso. Un ejemplo de equilibrio simétrico en la pintura es La última cena, mural al fresco del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci. El artista utiliza en la composición de la obra el equilibrio simétrico sobre un eje vertical junto a la perspectiva con un foco central en paredes y en el techo y un elemento en primera línea, con el objeto de realzar la importancia de la figura central, Jesucristo. Hay una ligera diferenciación entre las figuras, pero el número de personas a cada lado del eje vertical es el mismo, y están situadas a lo largo de un eje horizontal.

Op art. Vásárhelyi Győző (Victor Vasarely).
Op art. Vásárhelyi Győző (Victor Vasarely).

El op art, abreviatura de optical art (arte óptico), es una forma artística que utiliza la simetría biaxial, es decir, simetría tanto en el eje vertical como en el horizontal. El op art es arte abstracto que juega con formas geométricas o figuras que se repiten siguiendo patrones para generar ilusiones ópticas, y en muchos casos aprovecha y prevé el movimiento del observador. Uno de los principales artistas que desarrollaron ésta técnica fue el húngaro Vásárhelyi Győző, conocido como Victor Vasarely.

El equilibrio simétrico también se expresa en patrones repetitivos de forma o de color, y se denomina equilibrio cristalográfico o equilibrio de mosaico. Algunas obras de Andy Warhol son un ejemplo, al igual que la tapa del álbum Hard Day’s Night de The Beatles.

La simetría radial es una variante del equilibrio simétrico en la que los elementos de la composición se disponen alrededor de un punto central; por lo tanto, la simetría radial tiene un punto focal en su planteo. Este tipo de simetría se ve a menudo en la naturaleza, en los pétalos de flores y en organismos marinos. Es el tipo de simetría de algunas formas de arte religioso, como los mandala.

El equilibrio asimétrico plantea una distribución de los elementos de una composición en la que no hay simetría pero sí un equilibrio visual. Los elementos están desplegados de manera desigual a través de la obra de arte, conduciendo al ojo del espectador a través de la pieza. El equilibrio asimétrico es un poco más difícil de lograr que el equilibrio simétrico, ya que cada elemento de la pieza tiene su propio peso visual en relación con los otros elementos, y afecta el equilibrio de toda la composición. El equilibrio asimétrico se puede manifestar en varios elementos pequeños en un lado de la composición, equilibrados por un elemento grande en el otro lado, o si los elementos más pequeños se colocan más lejos del centro de la composición respecto de la ubicación de los elementos más grandes. Una forma oscura se puede equilibrar con varias formas más claras.

La noche estrellada. Vincent van Gogh.
La noche estrellada. Vincent van Gogh.

El equilibrio asimétrico es menos formal y más dinámico que el equilibrio simétrico. Puede parecer más espontáneo, pero requiere una planificación cuidadosa, tanto o incluso más que la del equilibrio simétrico. Un ejemplo de equilibrio asimétrico es La noche estrellada de Vincent van Gogh. La forma triangular oscura de los árboles que anclan visualmente el lado izquierdo de la pintura es contrarrestada por el círculo amarillo de la luna en la esquina superior derecha. Otro ejemplo es The Boating Party, de Mary Cassatt (imagen de presentación del artículo), con la figura oscura en primer plano en la esquina inferior derecha equilibrada por las figuras más claras y particularmente por la vela en la esquina superior izquierda.

El equilibrio en la composición de una obra de arte

Cuando un artista trabaja en la composición de una obra de arte tiene en cuenta las características estéticas de los elementos que proyecta desplegar. Se suelen utilizar una serie de criterios generales en relación al equilibrio de los elementos que se utilicen, aplicados en forma interactiva. Uno de estos elementos es el color. Los colores tienen tres características principales en relación a su incidencia visual: luminosidad, saturación y tono; la transparencia es otro elemento a considerar

Los colores más oscuros parecen visualmente más densos, con mayor impacto visual, que los colores más claros. El negro es, evidentemente, el color más oscuro, y por tanto el de mayor peso, mientras que, por el contrario, el blanco es el color de menor peso visual en la composición. El tamaño del objeto que contiene el color también es relevante; una forma más pequeña y oscura se puede equilibrar con una forma más grande y clara.

Los colores más saturados, más intensos, tienen mayor peso visual en la composición que los colores más apagados. Se puede degradar la saturación de un color mezclándolo con su opuesto en la paleta de colores. Los colores de tonalidades cálidas, el amarillo, el naranja y el rojo, tienen más peso visual que los colores fríos, el azul o el verde. Respecto a la transparencia, las áreas opacas de la composición tienen más peso visual que las áreas transparentes.

Otro aspecto de la composición a considerar en relación al equilibrio de la pieza es la forma de los elementos que la integran. Los cuadrados tienden a tener más peso visual que los círculos, mientras que las formas más complejas como los trapezoides, hexágonos y pentágonos tienden a tener más peso visual que las formas más simples, como los círculos, los cuadrados y las elipses. El tamaño de los elementos también es muy importante; los elementos más grandes tienen más impacto visual que los más pequeños, pero un grupo de elementos pequeños puede equilibrar el peso visual de uno grande.

En relación a estos aspectos de la composición, hay que considerar la ubicación de los elementos en el equilibrio de la pieza. Los elementos u objetos ubicados en el borde o en las esquinas de una composición tienen más peso visual y desplazarán a los elementos situados hacia el centro. El primer plano y el fondo de la composición pueden equilibrarse entre sí, y en su ubicación los elementos también pueden equilibrarse a lo largo de un eje diagonal, no sólo vertical u horizontal.

Las líneas que componen los elementos también deben tenerse en consideración. Líneas gruesas tienen más impacto visual que líneas delgadas. Y un elemento con textura tendrá más peso visual.

Los contrastes en el despliegue de los elementos de una obra de arte puede ser una estrategia efectiva para lograr el equilibrio: quieto y en movimiento, suave y áspero, ancho y estrecho, intenso y apagado, son algunas de las posibles alternativas.

Fuentes

Antonella Fuga. Técnicas y materiales del arte. Electa, Barcelona, 2004.

Frank Popper. From Technological to Virtual Art. Leonardo Books, MIT Press, 2007.

mm
Sergio Ribeiro Guevara (Ph.D.)
(Doctor en Ingeniería) - COLABORADOR. Divulgador científico. Ingeniero físico nuclear.

Artículos relacionados