I Guitars -serien av Pablo Picasso, en av skaparna av kubismen, observeras övergången från analytisk kubism till syntetisk kubism. Picasso utvecklade denna serie mellan 1912 och 1914 och hans utställning av verken som består av den på Museum of Modern Art i New York 2011 erbjöd möjligheten att få tillgång till en bättre förståelse av en konstnärlig rörelse av särskild betydelse.
syntetisk kubism
Kubismen är en störande konstnärlig rörelse av renässansens estetiska parametrar som fortfarande var i kraft i början av 1900-talet. I måleriet uttrycks det i kompositionen med geometriska former av naturbilder, medan det i poesin översätts till verser med valfritt rim, utan definierad metrik, med bilder av ämnet som tas upp; Guillaume Apollinaire var den poet som representerade honom bäst.
Georges Braque och Pablo Picasso utvecklade kubismen inom bildkonsten från 1907. Konventionellt perspektiv försvinner i deras verk och flera perspektiv observeras i de geometriska former som utgör bilderna, såväl som olika samtidiga plan av samma objekt. Vi kan observera ett ansikte framifrån och i profil på samma gång, och föremål representeras ofta endast av någon karakteristisk komponent. Färgerna går igenom dämpade nyanser av grått, grönt och brunt, och senare i rörelsens utveckling är olika föremål införlivade på duken och bildar collage .
Kubismen gick igenom två perioder. Den första kallades analytisk kubism: tonvikten lades på geometriska representationer och flera perspektiv, och färgen relativiserades. I vissa verk kan det vara svårt att identifiera figurerna och det ser ut som abstrakt konst, så det kallades också hermetisk kubism. Från 1912 utvecklades syntetisk kubism, där collage började tillverkas med tidningsbitar, tapeter och andra material i målningarna. Färg återfick en mer relevant roll och verken blev enklare och lättare att förstå.
Picassos gitarrutställning i New York
Från 13 februari till 6 juni 2011 utvecklade han en utställning på Museum of Modern Art i New York som heter Picasso Guitars; 1912 – 1914 ( Picassos gitarrer: 1912 – 1914 ). I detta evenemang ställdes 85 verk av Pablo Picasso ut, samlade från 35 offentliga och privata samlingar, där gitarrer är representerade i collage , teckningar, målningar och skulpturer. Den konstnärliga utställningen täckte perioden mellan det första plastverket i serien, som föreställer en gitarr gjord av kartong och strängar tillverkad 1912 (bild nedan), och den sista, gjord med en plåt 1914.
Anne Umland och Blair Hartzell organiserade denna utställning. Vid öppnandet av denna utställning förklarade Umland att det var den första utställningen som visar Picassos gitarrkonstruktion, vilket satte dem i sammanhanget av en stor period av experimenterande av konstnären från Malaga.
Gitarrmotivet i kartong från 1912 (bilden nedan) är enkelt, men skapandet liknade inte något konstverk som hade kommit tidigare; två år senare återskapade Picasso den med en plåt. Metallen i den andra gitarren, tunn och platt, var vanlig i Paris som takmaterial och kan ha varit grå eller svart innan den blev den rostiga metall som skulpturen visade på utställningen.
Gitarrseriens betydelse
De flesta konsthistoriker karakteriserar Pablo Picassos serie Gitarrer som den definitiva övergången från analytisk kubism till syntetisk kubism. Gitarrerna hade dock en djupare betydelse. Om alla collage och representationer noggrant analyseras är det tydligt att Guitars -serien , som även innehåller fioler, utkristalliserade innebörden av Picassos kubism. Serien etablerar en repertoar av symboler som fortsatte i konstnärens visuella vokabulär genom paradskisserna 1917 , såväl som i 1920-talets kubosurrealistiska verk.
Det är inte känt exakt när Guitarras -serien började . I collagen finns tidningsklipp daterade november och december 1912. Svartvita fotografier av Picassos studio på Boulevard Raspail, publicerade i Les Soirées de Paris nr 18 (november 1913), visar den krämfärgade pappgitarren under uppbyggnad, omgiven av talrika collage och teckningar av gitarrer och fioler monterade sida vid sida på en vägg.
Picasso gav sin metalgitarr från 1914 till Museum of Modern Art i New York 1971. Vid den tiden trodde chefen för sektionen för målningar och teckningar, William Rubin, att modellen av kartonggitarr (figur ovan) hade tillverkats från början 1912. Museet förvärvade modellen 1973 efter Picassos död och i enlighet med konstnärens önskemål.
Under förberedelserna av den enorma utställningen Picasso and Braque: Pioneering Cubism 1989 ändrade William Rubin modellens konstruktionsdatum och tilldelade den till oktober 1912, ett datum som konsthistorikern Ruth Marcus håller med om. Datumet som visas på verket, modellen, som för närvarande visas på Museum of Modern Art i New York, är oktober till december 1912.
En bättre inställning till betydelsen av Pablo Picassos gitarrer kan fås genom konstkritikern André Salmons skiva.
Jag har sett vad ingen människa har sett tidigare i Picassos studio (…). Spökigare än Fausts laboratorium, denna studie (som vissa kanske hävdar var konstlös i termens konventionella mening) var fylld med de senaste artefakterna. Alla former som omgav mig verkade helt nya för mig (…) .
Några besökare till studion, förvånade över de saker de såg täcka väggarna, vägrade att kalla dessa föremål för målningar; de var gjorda av oljemålat tyg, packpapper och papperslappar. Besökare pekade på föremålet för Picassos kvicka glimtar och sa: ”Vad är det? Sätter du den på en piedestal? Hänger du den på väggen? Är det målning eller är det skulptur?» Picasso, klädd i en parisisk arbetares blå kostym, svarade med sin bästa andalusiska röst: ”Det är ingenting. Det är gitarren!” Och det var det! Konstens vattentäta fack kollapsade. Han befriade oss från måleri och skulptur, precis som han hade befriat oss från de akademiska genrernas idiotiska tyranni. Det är inte längre det eller det. Det är ingen stor grej. Det är gitarren!
André Salmon, våren 1914.
Betydelsen av Gitarrserien
Det finns två aspekter som sticker ut i Pablo Picassos Gitarrer- serie : det stora utbudet av material och tekniker och även upprepningen av former med olika betydelser beroende på det sammanhang där de ingår. collagen _de innehåller vardagliga och mycket olika element, såsom tapeter, sand, broscher, rep, etiketter, omslag, partitur och tidningar; bilderna av samma föremål är ritade eller målade av konstnären. Kombinationen av dessa element bröt med traditionella metoder för tvådimensionell konst, inte bara när det gäller att inkorporera ödmjuka material utan också för att dessa material anspelade på vanligt liv, på gatorna, i ateljéer och i barer. Detta samspel mellan element i den verkliga världen återspeglas i integreringen av det imaginära av det samtida vardagslivet i hans vänners avantgardepoesi, eller vad Guillaume Apollinaire kallade la nouveauté poésie ( nyhetens poesi), som var en tidig form av Popkonst..
Ett annat sätt att förstå innebörden av Guitars -serien är att undersöka repertoaren av former som förekommer i de flesta av Picassos verk. Utställningen på Museum of Modern Art i New York ger möjlighet att få referenser och sammanhang till verken. Kollagen och gitarrmodellerna, sett tillsammans, tycks avslöja artistens inre konflikt, med hans kriterier och ambitioner . Olika symboler urskiljs för att indikera de föremål eller delar av kroppen som vandrar från ett sammanhang till ett annat, vilket förstärker och ändrar betydelser som endast har samma sammanhang som vägledning.
Ett exempel är den kurvlinjära sidan av en gitarr, som i ett verk liknar kurvan på en mans öra längs vad som skulle vara formen på hans huvud, medan den i ett annat är förlängd. I en del av collaget kan en cirkel indikera ljudet av en gitarr eller representationen av instrumentets mun; på andra ställen kan den också representera botten av en flaska. En cirkel kan vara toppen av flaskans kork och samtidigt likna en hög hatt noggrant placerad i ansiktet på en muskulös gentleman.
Att känna till denna formrepertoar hjälper oss att förstå kubismens synekdok, de små former som indikerar vad konstnären vill förmedla: här är en fiol, här är ett bord, här är ett glas och här är en människa. Denna repertoar av symboler som utvecklades under den analytiska kubismen förenklades på nya sätt under den syntetiska kubismen.
Betydelsen av kubism i serien Gitarrer
Gitarrmodeller som kartongmodellen från 1912 och plåt från 1914 visar tydligt de formella aspekterna av kubismen. Som Jack Flam skrev i Cubicuo , skulle en bättre term för kubism ha varit ”planarism”, eftersom konstnärer beskrev verkligheten i termer av de olika ytorna eller planen av ett föremål: dess framsida, dess baksida, dess topp, dess botten, sidorna; alla hans pjäser var representerade på en yta samtidigt. Pablo Picasso förklarade innebörden av konstruktionen av collagen för skulptören Julio Gonzales:
Det skulle ha räckt att klippa dem – färger är trots allt inget annat än indikationer på skillnader i perspektiv, på lutande plan på ett eller annat sätt – och sedan montera dem enligt de indikationer som färgen ger, för att sedan möta dem som en» skulptur .”
Konstruktionen av gitarrmodellerna skedde medan Picasso arbetade på collagen. Ytmonterade planer blev projicerade plan som dyker upp från väggen i ett tredimensionellt arrangemang utvikt i rymden. Picassos dåvarande konstrepresentant, Daniel-Henri Kahnweiler, hävdade att konstruktionen av gitarrerna baserades på Grebo-maskerna (ristade masker av afrikansk konst) som Picasso hade förvärvat i augusti 1912. Dessa tredimensionella föremål representerar ögonen. cylindrar som skjuter ut från maskens plana yta; I Picassos pappgitarrmodell från 1912 (föregående figur) kan du se representationen av ljudet som kommer ut från instrumentets mynning som en cylinder som skjuter ut från gitarrens kropp.
Ett annat element som har härletts från analysen av hans verk är Pablo Picassos rekord av samtida leksaker, som André Salmon hävdar i La jeune sculpture français : en liten plåtfisk upphängd i en cirkel av plåttejp representerade fisken som simmade i hans fiskskål.
Skulpturen och serien Gitarrer
Konstruktionen av Pablo Picassos gitarrmodeller bröt med strukturen hos konventionell skulptur. Redan i hans Head of a Woman (Fernande) , ett verk från 1909, representerar en serie sammanhängande plan fulla av sprickor och strävhet håret och ansiktet på den kvinna som Picasso älskade vid den tiden, Fernande Olivier. Dessa plan är placerade på ett sådant sätt att de maximerar ljusreflektionen från vissa ytor, liknande de ljusupplysta planen i kubistiska målningar från den analytiska perioden. Dessa upplysta ytor blir färgade ytor i collagen .
Konstruktionen av gitarrmodellen i kartong är baserad på strukturering av planer. Den består av endast 8 delar (se föregående figur): gitarrens fram- och baksida samtidigt, en låda för dess kropp, ljudhålet, halsen (som kröker sig uppåt som en långsträckt kanal), en triangel som pekar ner till ange huvudet på gitarren och ett kort papper vikt nära triangeln gängad med gitarrsträngar. De vanliga strängarna som placeras vertikalt representerar gitarrsträngarna och i sidled (på ett komiskt släppt sätt) representerar gitarrbanden. En halvcirkelformad bit, fäst vid den nedre delen av modellen, representerar platsen för ett bord för gitarren.
Gitarrmodellen i kartong och gitarrmodellen i plåt verkar samtidigt representera instrumentets inre och yttre.
Källor
Picassos gitarrer – RT , 2011.
MoMA-utställningen utforskar Picassos gitarrskulpturer och hans experimentella praktik från 1912 till 1914 | New York | 1F MEDIEPROJEKT .
Penrose, Roland. Picassos liv och verk . Tredje upplagan, 1981.
Ramirez Dominguez, Juan Antonio. kubism . In Art History , Anaya Editions, Madrid, 1986.
