Cosa significa equilibrio nell’arte e perché è importante?

L’equilibrio è uno dei principi fondamentali nella concezione di un’opera d’arte, ed è integrato con concetti come contrasto, movimento, ritmo ed enfasi, così come con modelli di design, con unità e varietà. L’equilibrio si riferisce a come gli elementi che compongono un’opera d’arte, tra cui linea, forma , colore, sfumature, spazio o trama , si relazionano tra loro nella composizione dell’opera per generare l’equilibrio visivo di ciò che l’artista propone.

L’equilibrio

Una prima idea di equilibrio in un’opera d’arte nasce dalla percezione della gravità in un pezzo tridimensionale, una scultura per esempio. L’opera sarà in equilibrio se si percepisce che il pezzo o una qualsiasi delle sue parti non cade, sia nelle opere statiche che in quelle che hanno movimento. Se l’opera si sviluppa in due dimensioni, l’artista sviluppa la composizione in modo tale che l’effetto visivo trasmetta equilibrio rispetto alla gravità. D’altra parte, uno scultore, oltre a cercare l’equilibrio visivo, deve considerare anche i parametri fisici dell’opera.

La simmetria è un fattore fondamentale nella percezione dell’equilibrio. Forse perché l’essere umano è simmetrico, è una tendenza naturale delle persone cercare l’equilibrio attraverso la simmetria. E gli artisti spesso cercano di trasmettere quell’equilibrio nelle loro opere. Un’opera equilibrata, in cui il peso visivo è distribuito uniformemente in tutta la composizione, appare stabile, mette a proprio agio lo spettatore e risulta gradevole alla vista. Un lavoro sbilanciato sembra instabile, crea tensione e turba lo spettatore. A volte un artista crea deliberatamente un’opera sbilanciata. Il Red Cube di Isamu Noguchi , situato a New York, è un esempio di scultura volutamente sbilanciata. cubo rossopoggia precariamente su uno dei suoi vertici, in contrasto con gli edifici grigi, solidi e stabili che lo circondano, e crea una sensazione di tensione e insicurezza.

forme di equilibrio

Nella disposizione di un’opera d’arte si possono distinguere tre approcci che contribuiscono alla sensazione di equilibrio; Questi sono gli equilibri simmetrici , radiali e asimmetrici . L’equilibrio simmetrico include il radiale e si basa sulla ripetizione di schemi. Nell’equilibrio asimmetrico l’artista fa da contraltare nella disposizione dell’opera elementi che hanno diverso peso visivo o fisico, basandosi sulla sua intuizione piuttosto che su modelli.

In equilibrio simmetrico, entrambi i lati di un pezzo sono simili. Se si tracciasse una linea immaginaria che divide l’opera orizzontalmente o verticalmente, cioè quali sarebbero i suoi assi, i settori dell’opera che rimangono ai lati dell’asse avrebbero caratteristiche simili o un peso visivo simile. La simmetria intorno ad un asse centrale è chiamata simmetria bilaterale , sia orizzontale che verticale (secondo l’orientamento dell’asse). L’equilibrio simmetrico può avvenire come un’immagine speculare, una riproduzione sotto forma di un riflesso in uno specchio su entrambi i lati dell’asse dell’opera, oppure può essere che alcuni elementi della composizione siano riprodotti in forma speculare dall’asse del pezzo.

Questo tipo di equilibrio dà un senso di ordine, stabilità, razionalità, solennità, formalità, ecc. L’equilibrio simmetrico è spesso utilizzato nella progettazione architettonica di edifici governativi, biblioteche, college e università ed è molto comune nell’arte religiosa. Un esempio di equilibrio simmetrico nella pittura è L’Ultima Cena., affresco murale del pittore rinascimentale italiano Leonardo da Vinci. Nella composizione dell’opera, l’artista utilizza l’equilibrio simmetrico su un asse verticale insieme alla prospettiva con un fuoco centrale sulle pareti e sul soffitto e un elemento in prima linea, al fine di esaltare l’importanza della figura centrale, Gesù Cristo. . C’è una leggera differenza tra le figure, ma il numero di persone su ciascun lato dell’asse verticale è lo stesso e si trovano lungo un asse orizzontale.

Op art , abbreviazione di arte ottica , è una forma d’arte che utilizza la simmetria biassiale , ovvero la simmetria sia nell’asse verticale che in quello orizzontale. L’op art è un’arte astratta che gioca con forme geometriche o figure che si ripetono seguendo schemi per generare illusioni ottiche, e in molti casi sfrutta e anticipa il movimento dell’osservatore. Uno dei principali artisti che sviluppò questa tecnica fu l’ungherese Vásárhelyi Győző, noto come Victor Vasarely.

L’equilibrio simmetrico si esprime anche nella ripetizione di modelli di forma o colore ed è chiamato equilibrio cristallografico o equilibrio a mosaico. Alcuni lavori di Andy Warhol ne sono un esempio, così come la copertina dell’album Hard Day’s Night dei Beatles .

La simmetria radiale è una variante dell’equilibrio simmetrico in cui gli elementi della composizione sono disposti attorno a un punto centrale; pertanto, la simmetria radiale ha un punto focale nel suo approccio. Questo tipo di simmetria si riscontra spesso in natura, nei petali dei fiori e negli organismi marini. È il tipo di simmetria che si trova in alcune forme di arte religiosa, come il mandala.

L’equilibrio asimmetrico propone una distribuzione degli elementi di una composizione in cui non c’è simmetria ma equilibrio visivo. Gli elementi sono visualizzati in modo non uniforme in tutta l’opera d’arte, guidando l’occhio dello spettatore attraverso il pezzo. L’equilibrio asimmetrico è un po’ più difficile da raggiungere rispetto all’equilibrio simmetrico, poiché ogni elemento dell’opera ha il proprio peso visivo in relazione agli altri elementi e influenza l’equilibrio dell’intera composizione. L’equilibrio asimmetrico può manifestarsi in diversi piccoli elementi su un lato della composizione, bilanciati da un elemento grande sull’altro lato, oppure se gli elementi più piccoli sono posizionati più lontano dal centro della composizione rispetto al posizionamento degli elementi più grandi.

L’equilibrio asimmetrico è meno formale e più dinamico dell’equilibrio simmetrico. Può sembrare più spontaneo, ma richiede un’attenta pianificazione, altrettanto o anche di più del bilanciamento simmetrico. Un esempio di equilibrio asimmetrico è La notte stellata di Vincent van Gogh . La forma triangolare scura degli alberi che ancorano visivamente il lato sinistro del dipinto è compensata dal cerchio giallo della luna nell’angolo in alto a destra. Un altro esempio è The Boating Party , di Mary Cassatt (immagine di apertura dell’articolo), con la figura scura in primo piano nell’angolo in basso a destra bilanciata dalle figure più chiare e in particolare la vela nell’angolo in alto a sinistra.

L’equilibrio nella composizione di un’opera d’arte

Quando un artista lavora alla composizione di un’opera d’arte, tiene conto delle caratteristiche estetiche degli elementi che intende esporre. Solitamente vengono utilizzati una serie di criteri generali in relazione al bilanciamento degli elementi che vengono utilizzati, applicati in modo interattivo. Uno di questi elementi è il colore. I colori hanno tre caratteristiche principali in relazione alla loro incidenza visiva: luminosità, saturazione e tonalità; La trasparenza è un altro elemento da considerare

I colori più scuri appaiono visivamente più densi, con un maggiore impatto visivo, rispetto ai colori più chiari. Il nero è ovviamente il colore più scuro, e quindi quello con il maggior peso, mentre, al contrario, il bianco è il colore con il minor peso visivo nella composizione. Anche la dimensione dell’oggetto che contiene il colore è rilevante; una forma più piccola e più scura può essere bilanciata da una forma più grande e più chiara.

I colori più saturi e intensi hanno un peso visivo maggiore nella composizione rispetto ai colori più tenui. Puoi degradare la saturazione di un colore mescolandolo con il suo opposto sulla tavolozza dei colori. I colori dai toni caldi, giallo, arancio e rosso, hanno più peso visivo rispetto ai colori freddi, blu o verde. Per quanto riguarda la trasparenza, le aree opache della composizione hanno un peso visivo maggiore rispetto alle aree trasparenti.

Un altro aspetto della composizione da considerare in relazione all’equilibrio del pezzo è la forma degli elementi che lo compongono. I quadrati tendono ad avere più peso visivo rispetto ai cerchi, mentre forme più complesse come trapezi, esagoni e pentagoni tendono ad avere più peso visivo rispetto a forme più semplici come cerchi, quadrati ed ellissi. Anche la dimensione degli elementi è molto importante; gli elementi più grandi hanno un impatto visivo maggiore rispetto a quelli più piccoli, ma un gruppo di piccoli elementi può bilanciare il peso visivo di uno grande.

In relazione a questi aspetti della composizione, è necessario considerare la collocazione degli elementi nell’equilibrio del brano. Elementi o oggetti situati sul bordo o negli angoli di una composizione hanno più peso visivo e spiazzeranno gli elementi situati verso il centro. Il primo piano e lo sfondo della composizione possono bilanciarsi a vicenda, e nella loro collocazione gli elementi possono anche bilanciarsi lungo un asse diagonale, non solo verticale o orizzontale.

Vanno prese in considerazione anche le linee che compongono gli elementi. Le linee spesse hanno un impatto visivo maggiore rispetto alle linee sottili. E un elemento strutturato avrà più peso visivo.

I contrasti nella visualizzazione degli elementi di un’opera d’arte possono essere una strategia efficace per raggiungere l’equilibrio: fermo e in movimento, liscio e ruvido, largo e stretto, intenso e sommesso, sono alcune delle possibili alternative.

Fonti

Antonella Fuga. Tecniche artistiche e materiali . Eletto, Barcellona, ​​2004.

Franco Popper. Dall’arte tecnologica all’arte virtuale . Leonardo Libri, MIT Press, 2007.