La définition de la forme dans l’art

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Le terme « forme » peut signifier différentes choses en art : c’est l’un des sept éléments de l’art et décrit un objet tridimensionnel dans l’espace. Si l’on va un peu plus loin, « l’analyse formelle » d’une œuvre d’art décrit comment ses éléments et ses principes s’articulent, quels que soient leur sens et les sentiments ou pensées qu’ils peuvent générer chez l’observateur. La forme est également utilisée pour décrire la nature physique de l’œuvre d’art, comme une sculpture en métal ou une peinture à l’huile.

Lorsqu’il est utilisé en conjonction avec le mot « art » comme « forme d’art », il peut également signifier un moyen d’expression artistique reconnu comme appartenant aux beaux-arts ou un moyen non conventionnel très bien fait, habilement ou avec suffisamment de créativité pour l’élever au niveau de l’art des beaux-arts.

forme et art

Les éléments d’art sont l’ensemble des composants d’une œuvre d’art normalement utilisés dans son enseignement et son analyse, en combinaison avec les principes de l’art.

La forme est l’un des sept éléments de l’art, qui sont les outils visuels qu’un artiste utilise pour créer une œuvre d’art. En plus de la forme, une œuvre d’art contient des lignes, des figures, des tons, des couleurs,  des textures et des espaces. 

En tant qu’élément d’art, la forme connote quelque chose qui est tridimensionnel et contient du volume, ayant une longueur, une largeur et une hauteur, contrairement à la figure (géométrique ou organique), qui est plate, bidimensionnelle. Une forme est composée de trois dimensions et, comme les figures, elle peut être géométrique ou organique.

Les formes géométriques sont des formes mathématiques précises et peuvent être nommées d’après les formes géométriques de base : sphère, cube , pyramide, cône ou cylindre. Un cercle devient une sphère en trois dimensions, un carré devient un cube, un triangle devient une pyramide. On les trouve le plus souvent dans l’architecture et les constructions qui nous entourent, bien qu’ils puissent également être vus dans les sphères des planètes, des bulles ou dans le motif cristallin des flocons de neige.

Les formes organiques sont celles qui coulent librement, sont courbes et fibreuses et ne sont pas symétriques, elles ne sont pas faciles à mesurer ou à cataloguer. On le trouve le plus souvent dans la nature, comme sous la forme de fleurs, de branches, de feuilles, de flaques d’eau, de nuages, d’animaux et de la figure humaine, et on peut également le voir sur des bâtiments saisissants et extravagants de l’architecte espagnol Antoni Gaudí (1852 -1926), ainsi que dans de nombreuses sculptures.

La forme dans la sculpture

La forme est le plus étroitement liée à la sculpture, car il s’agit d’un type d’art en trois dimensions et a traditionnellement intégré la forme à la couleur et à la texture . Les formes tridimensionnelles peuvent être vues sous différents angles ; conventionnellement, les formes pouvaient être vues de tous les côtés, on les appelait des sculptures rondes. Contrairement aux reliefs dans lesquels les éléments sculptés restent attachés à un fond solide ; ce sont les bas-reliefs, les hauts-reliefs et les reliefs en creux. Historiquement, les sculptures étaient réalisées à l’effigie de quelqu’un, en l’honneur d’un héros ou d’un dieu.

Au XXe siècle, le sens de la sculpture s’est élargi en incorporant le concept de formes ouvertes et fermées, un sens qui continue de s’étendre aujourd’hui. Les sculptures ne sont plus seulement des formes statiques, des masses solides et opaques taillées dans la pierre ou coulées dans le bronze. La sculpture d’aujourd’hui peut être abstraite, créée à partir de différents objets, en mouvement, changeant au fil du temps, ou faite de matériaux non conventionnels tels que la lumière ou les hologrammes, comme le travail du célèbre artiste Jame Turrel.

Les sculptures peuvent être caractérisées en termes relatifs comme des formes fermées ou ouvertes ; une « forme fermée » a une structure similaire à la forme traditionnelle, avec une masse solide et opaque. Même si des espaces existent à l’intérieur de la forme, ils sont contenus et confinés, et ont une focalisation dirigée vers l’intérieur, sur la forme elle-même, isolée de son environnement. Tandis qu’une « forme ouverte » est transparente, révélant sa structure et a donc une relation plus fluide et dynamique avec son environnement. 

L’espace négatif est un composant principal et a une force d’activation d’une sculpture ouverte. Pablo Picasso (1881-1973), Alexander Calder (1898-1976) et Julio González (1876-1942) font partie des artistes qui ont créé des sculptures ouvertes en fil de fer et autres matériaux.

Le grand artiste anglais Henry Moore (1898-1986) et Barbara Hepworth (1903-1975) étaient les deux sculpteurs britanniques les plus importants de l’art moderne, et tous deux ont révolutionné la sculpture en étant les premiers à créer des sculptures biomorphiques (bio = vie , morphique = forme).

Elle l’a fait en 1931 et lui en 1932, notant que « même l’espace peut avoir une forme » et qu' »un trou peut avoir autant de sens dans sa forme qu’une masse solide ». 

La forme en dessin et en peinture

En dessin et en peinture, l’illusion d’une forme tridimensionnelle est transmise par l’utilisation de la lumière et de l’ombre, et la représentation des intensités et des tonalités . La forme est définie par le contour extérieur d’un objet, c’est ainsi que nous le percevons et commençons à lui donner un sens, mais la lumière et les teintes aident à donner à un objet une forme et un contexte dans l’espace afin que nous puissions l’identifier pleinement.

Par exemple, en supposant qu’une seule source lumineuse éclaire une sphère, le point mis en surbrillance est l’endroit où la source lumineuse frappe directement, l’intensité intermédiaire est la teinte centrale de la sphère, là où la lumière ne frappe pas directement, l’ombre centrale est la zone de ​la sphère où la lumière n’est pas incidente du tout et est la partie la plus sombre de la sphère, l’ombre portée est la zone des surfaces environnantes où l’objet bloque la lumière, et l’éclairage réfléchi est la lumière qui est réfléchie à nouveau sur l’objet, des objets et des surfaces environnantes. Avec ces jeux d’ombre et de lumière, n’importe quelle forme simple peut être dessinée ou peinte pour créer l’illusion d’une forme tridimensionnelle.

Plus le contraste de teinte est élevé, plus la forme tridimensionnelle devient prononcée, les formes rendues avec peu de variation de teinte apparaissant plus plates que celles rendues avec un contraste plus élevé.

Historiquement, la peinture est passée d’une représentation plate des formes et de l’espace à une représentation tridimensionnelle des formes et de l’espace, et à l’abstraction. La peinture égyptienne était plate, avec la forme humaine représentée de face mais avec la tête et les pieds de profil. L’illusion de la forme ne se développe qu’à la Renaissance, avec la découverte de la perspective. Des artistes baroques tels que Caravage (1571-1610) ont exploré la nature de l’espace, de la lumière et ont expérimenté la forme tridimensionnelle grâce à l’utilisation du clair-obscur, de forts contrastes entre la lumière et l’obscurité. La représentation de la forme humaine est alors devenue beaucoup plus dynamique avec le clair-obscur et la perspective, donnant aux formes un sentiment de solidité et de poids, créant un puissant sens du drame. 

Le modernisme a permis aux artistes de jouer avec la forme de manière plus abstraite. Des artistes comme Picasso, avec l’invention du  cubisme , ont rompu avec le formalisme qui impliquait d’associer le mouvement à l’espace et au temps.

Une œuvre d’art

Lors de l’analyse d’une œuvre d’art, nous réalisons que l’analyse est formelle et indépendante de son contenu ou de son contexte. Une analyse formelle signifie utiliser les éléments et les principes de l’art pour évaluer son effet visuel. L’analyse formelle peut révéler des décisions dans sa composition qui aident à renforcer le contenu, l’essence de l’œuvre, le sens et l’intention de l’artiste, ainsi que donner des indices sur le contexte historique.

Par exemple, les sentiments de mystère, de peur et de transcendance évoqués par certaines des œuvres les plus importantes et les plus durables de la Renaissance, comme la  Joconde  (Léonard de Vinci, 1517),  La Création d’Adam  (Michel-Ange, 1512), Le Dernier Souper  (Léonard de Vinci, 1498) sont constitués de différents éléments et principes formels de composition tels que la ligne, la couleur, l’espace, la forme, le contraste, l’accent, l’effet et la condition intemporelle, que l’artiste utilise pour créer le tableau et qui constituent son signification.

Sources

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Sergio Ribeiro Guevara (Ph.D.)
(Doctor en Ingeniería) - COLABORADOR. Divulgador científico. Ingeniero físico nuclear.

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